Dra. Annette Lagler | Directora Foro Ludwig de Arte Internacional – Aquisgrán | Alemania

Judith Sturm - El principio del contraste de efectos pictóricos

Dra. Annette Lagler | Directora Foro Ludwig de Arte Internacional - Aquisgrán | Alemania

A primera vista, la pintura de Judith Sturm parece fácil de entender, pues la artista pinta modelos y modelos, motivos familiares de la publicidad. Se trata de carcasas y cuerpos femeninos, patrones de vestir y una paleta de colores cuidadosamente coordinada. Pero incluso a segunda vista, se abre ante el espectador un complejo concepto artístico que rompe con los clichés esperados, utiliza ingeniosamente efectos fisiológicos del color y estructuras internas simbólicas, yuxtapone superficie y profundidad como apertura y vista, y en el proceso aborda con toda naturalidad la pintura de forma autorreflexiva.

En 2005, Judith Sturm inició una serie de obras en las que el rosa era el color dominante. La artista utiliza toda la gama cromática del "rosa", que oscila entre el rosa y el salmón y, dependiendo de la proporción de mezcla, es capaz de expresar frialdad y calidez, cercanía y distancia como ningún otro espectro cromático. Utiliza rosas azulados para un refinado dibujo de lunares, tonos melocotón claro para la piel y un delicado rosa frambuesa para todo el fondo, que crea la atmósfera de los cuadros. A menudo aplica los distintos matices de color uno junto a otro, frotándolos y borrándolos en parte de nuevo, de modo que se transmite al espectador información fisiológica contradictoria sobre el color. Judith Sturm también aplica el principio de los efectos pictóricos contrastados utilizando sales absorbentes para dar a la piel de sus protagonistas, que parecen niñas desde lejos, un efecto manchado -visto de cerca- que se corresponde camufladamente con el fondo del cuadro. Mientras que el espectador espera una piel inmaculada en el rostro de las jóvenes, al observarla de cerca descubre una superficie pintada que recuerda a los procesos de descomposición, el cuerpo supuestamente atractivo se retrae, todo lo "tangible" se disuelve en filigranas, estructuras abstractas, y así enreda al espectador en un discurso sobre la figuración y la abstracción. Sturm también utiliza las prendas representadas de un modo igualmente sofisticado. En algunos cuadros, un top negro de tirantes estampado que delinea los contornos del esbelto cuerpo de una mujer constituye el tema pictórico. El escote mostrado, con los hombros y la base de los muslos, estiliza el cuerpo hasta convertirlo en un torso clásico y, en lugar de los rasgos faciales, pone el foco de atención en la veraniega camisa de la muchacha como si fuera un retrato. Aunque el drapeado en movimiento insufla aliento a las figuras y sugiere la "envoltura" del cuerpo de una mujer sensual, la estructura interna del estampado de lunares, similar a la del vestido, anula esta ilusión. El tono rosa de los círculos se corresponde con el color de fondo, mientras que la estructura interna, inquieta y palpitante, se asemeja a la piel. El diseño de lunares aparece así como un patrón de agujeros, como un chador que revela la vista a través del cuerpo como una radiografía. La vida interior, inesperadamente vital, muestra una sustancia transparente con puntos similares a los de un cuerpo sanguíneo, que recuerdan a una fórmula condensada de "vida". Una vez más, Sturm priva al motivo pictórico de cualquier estado de ánimo llamativamente erótico y, en su lugar, sugiere una conexión con el ciclo femenino a través de una estrecha franja de color rojo sangre en el muslo.

Una contrapartida a los cuadros con lunares son los cuadros con rayas de 2006. El detalle del cuadro muestra a mujeres desde los hombros hasta la rodilla. Llevan un vestido entubado y ajustado con rayas rojas y rosas. Como hermanas gemelas, se colocan una frente a la otra en imagen especular o sentadas con las piernas dobladas. La postura parece incómoda, antinatural, el cuerpo aparece encogido y como atrapado, de modo que el dibujo a rayas parece como si se ataran cintas. Así, dos cintas rojas que salen apretadas del vestido por el borde del cuadro recuerdan a dos correas que se aprietan, y a la vista del fondo de rayas negras y rosas, uno asocia no sólo una persiana veraniega, sino también barrotes de prisión. Así, los enigmáticos cuadros complementan temáticamente obras anteriores que tratan del ámbito de movimiento asignado a las mujeres.

En primer lugar, sin embargo, la artista dedica su pintura al juego entre inocencia y seducción. Sturm rompe una y otra vez las expectativas sensuales que despiertan los patrones, el estilo de la ropa y los gestos. La vaporosa minifalda con su vista "casi" inferior y el "chisporroteante" encuentro de dos mujeres escasamente vestidas con lencería negra y desvestidas no revelan nada en última instancia, a pesar de las atrevidas perspectivas. Mientras que las prendas y las posturas, como el corpiño negro o las medias hasta la pierna sujetas con ligueros, juegan con el efecto erótico, el estampado de puntos que cubre la ropa blanca, el papel pintado y los bolsos alude a la inocente mojigatería asociada al diseño de los años cincuenta. En algunas imágenes, una barra roja colocada con audacia sobre el fondo rosa subraya también simbólicamente el contraste entre la inocencia infantil y el erotismo seguro de sí mismo.

En 2006, Judith Sturm inició una nueva serie que es sorprendentemente diferente en su uso de tonos beige y arena. El detalle de la imagen se ha ampliado una vez más. El desnudo femenino muestra ahora también manos, pies y pechos. Las figuras, en su mayoría de pie, no llevan ropa, como pantalones cortos, faldas o zapatos. Se deja a la imaginación del espectador rellenar las partes que faltan y elegir la tela, los estampados y los colores apropiados, para vestir a las figuras y rematarlas con los típicos fetiches femeninos cotidianos, como bolsos y zapatillas, que también aparecen. El desnudo se convierte en muñeca de disfraces. La artista alude explícitamente a este ensayo infantil y lúdico de los juegos de rol femeninos pintando en algunos de los cuadros ropas con lengüetas de papel. Símbolos de la iconografía clásica -como el physalis pintado disperso, que como fruta en una cubierta roja en forma de hoja remite a la madurez y la fertilidad- retoman metafóricamente el tema del cuerpo y la cubierta.

Al mismo tiempo, mediante la interacción de partes acabadas e inacabadas, pintadas y sin pintar, el cuerpo femenino aparece visualmente radicalmente disecado y disecado. Incluso en los lugares en los que no está prevista ninguna prenda, el cuerpo parece cortado por la mitad, por ejemplo en la cintura. La ausencia de un centro femenino confiere aquí al juego de roles de la ropa un significado psicológico. La recurrente cinta de color rojo sangre, a veces anudada alrededor del brazo, a veces estirada hasta el punto de ruptura y otras veces recorriendo el cuadro como una línea gráfica, también puede interpretarse -aparte de como un utensilio de costura- como un signo de vida y de la vulnerabilidad de la inocencia femenina y de su apariencia inmaculada.

En su última serie, Judith Sturm coloca prendas de aspecto físico como una camiseta de tirantes, una falda vaquera y unos zapatos de tacón, ricos en contrastes, junto al recorte del cuerpo para el que está pensada la respectiva sugerencia de ropa. De forma aún más clara que antes, Sturm recurre aquí a un lenguaje pictórico sorprendentemente condensado en la gráfica publicitaria, que ensalza el efecto y las ventajas de un artículo de mercancía al estilo de una "demostración del antes y el después". De este modo, la artista sigue una línea de desarrollo histórico del arte que comenzó con Andy Warhol a principios de la década de 1960 y encontró una variante europea en las primeras obras de Sigmar Polke, por ejemplo. Judith Sturm contrasta este contexto histórico con un concepto artístico convincente e inconfundible. Al expresar la distancia y el acercamiento, el estímulo y la distancia de forma polifacética y reflexiva a través de la concha y el cuerpo, consigue establecer nuevos impulsos contemporáneos en un género tradicional.